【舞台艺术众家议】

　　作者：陈伟科（中央民族大学舞蹈学院一级编导）

　　当观众被短视频中精心设计的“名场面”吸引进剧场，却可能会因舞剧叙事节奏、情感铺垫的不足而感到落差。

　　在图像传播与算法逻辑的双重驱动下，新媒体时代的舞剧欣赏正在经历一场从“剧场仪式”到“数字狂欢”的转变，这给舞剧作品带来前所未有的机遇与挑战。一方面，新媒体传播融合文字、图片、音频、视频等多种元素，让舞剧的精彩瞬间被更多人看到，受众从专业群体拓展至大众，市场潜力得到充分释放。另一方面，片段化的传播方式也在损害着一部舞剧的整体性，很多被这些“精彩瞬间”吸引来的观众，只是围观了某个动作，而不是理解一部作品，艺术的价值反被稀释。

　　新媒体普及带来的传播语境变化，使舞剧演出不再局限于剧场。创演单位通过自媒体平台推广剧目，许多观众在移动终端上就能提前看到舞剧在排练期间的碎片式内容。他们或是因为对题材感兴趣，或是因为剧中有自己喜爱的舞者，提前将剧目加入自己的“观剧清单”中。创演单位还可以抓住一个话题进行发酵，让舞剧达到“未演先热”的效果。如舞剧《天工开物》利用“全员会飞”的话题，借助舞蹈演员自身的技术和短视频制作方法，让观众“驻足”欣赏片段。在作品正式演出结束后，创演单位还会剪辑新的舞台片段或将谢幕片段进行“升华”，形成新的推送内容，让观众“回味无穷”。如民族舞剧《红楼梦》的谢幕设计就让人印象深刻，剧组将“贾宝玉”回身后幕布拉开，随即十二钗出现在舞台上的唯美场景配以音乐剪辑谢幕视频，累计播放量达1.8亿次。这些传播方式大大拉长了一台舞剧的“演出时长”，不仅实现跨时空、高互动、强沉浸的传播效果，还将舞台表演转化为可传播的视觉符号，在不同平台进行裂变式传播，强化观众对作品的认知。

　　不管是“制造话题”或是内容“碎片式”的传播方式，创演团队都以“高光片段+文化解读”为核心策略，通过新媒体短、平、快的特性，降低艺术欣赏门槛，满足普通受众初步了解作品的需求。但必须注意的是，过于追求宣传效果也会使舞剧沦为视觉奇观的附庸。如部分舞剧作品为追求“网感”，过度简化文化符号，导致“只见动作，不见精神”。

　　新媒体平台的强交互性，使舞剧创作从专业场域走向“全民共创”。在舞剧的新媒体传播过程中，观众以二次创作的形式参与其中，或通过点赞、评论与主创团队互动的方式，形成情感共鸣与集体记忆。例如，舞剧《只此青绿》的出圈，引发了全网效仿“青绿腰”。又如，很多年轻观众都有在观剧后甚至是观剧中撰写“repo”（为英文report的简写，指用户在社交平台发布的观剧报告或体验）的习惯。观众实时参与舞剧的传播，从“被动接受”变为“主动参与”。观众往往秉持“我付费消费，有话敢言”的心态，在社交平台给出真实、直观的评价。这种“体验分享”以剧目名称加演出时间、场次为标题，非常容易搜索，对还未观看过的观众而言是获取舞剧演出资讯的宝库。他们既可以提前了解剧情，还可以直观了解演出的真实水平。对于创作者来说，这亦是一个宝贵的反馈渠道。不少创作者都会在平台与观众对话，观众的客观建议与期望，为创作者提供创作灵感，助力其优化作品质量。

　　然而，我们必须清醒地认识到，传播数据并非判定作品好坏的“判决书”。算法推荐的“信息茧房”效应使舞蹈传播容易陷入“圈层狂欢”，越是点开同样态度观点的内容就越会收到更多的相关推送，这种“印证式”信息接收很容易遮蔽创作者的视野。此外，有的剧团为了营造出全网“好评如潮”的现象，会用工作观摩票邀请小红书大V、自媒体公众号、微博营销号等平台用户提前到剧场或排练场观演，通过赠予剧目周边文创产品，或是以付费形式邀请他们撰写repo，降低了“观众评价”的可信度。创作者需要铭记于心的是，真正决定作品优劣的，仍是舞剧的艺术质量，只有反映时代精神，与大众产生真正共鸣的作品，才能称得上“叫好又叫座”。

　　长远来看，新媒体时代下“瞬间美学”的传播模式虽能快速破圈，但也导致艺术完整性的消解。当观众被短视频中精心设计的“名场面”吸引进剧场，却可能会因舞剧叙事节奏、情感铺垫的不足而感到落差。创制团队需要意识到这一点，花时间与精力去寻找新时代艺术创作与新媒体传播的平衡路径，使舞剧传播从“流量竞争”转向“艺术共鸣”。唯有如此，新媒体才能真正成为舞剧发展的“助推器”。

　　《光明日报》（2026年02月25日 16版）